Documental "Luces y sombras", sobre la vida de Antonio Cubillo

La Gaveta Poducciones nos ofrece el trailer del próximo documental sobre la vida del líder del MPAIAC, Antonio Cubillo. Estaremos atentos a su estreno.

Para verlo:

http://lagavetaproducciones.com/enproduccion.html

Canarias timelapse

Canarias Timelapse es un documental canario. En él, se muestra como es un año en Canarias y aunque obvia buena parte de los problemas de los canarios, pues sólo quiere mostrar paisajes y vivencias, es interesante de ver. Este es un avance.

Realización: Kroma Canarias y Lasal.
Patrocinio: Gobierno de Canarias, SPET de Tenerife, Cabildo de Gran Canaria, Cabildo de Fuerteventura y Televisión Pública de Canarias.
Dirección: Luis García de Armas.
Producción: Antonio de Nascimiento.
Música: Antonio Hernández.
Cámara: Humberto Mesa.

Retorno a Hansala, un recorrido por el Atlas Medio

"Retorno a Hansala", es la última película de Chus Gutiérrez. En ella conviven tres culturas a la vez: cultura árabe, amazigh y española, cada una desde un punto de vista y unas situaciones concretas.

Drama de la inmigración:

La película está basada en hechos reales. En el año 2001, en las playas de Rota (Cádiz), una patera se hundió y murieron varios inmigrantes, cuyas ropas atestiguaban su origen en Hansala, poblado del Atlas Medio marroquí.

El film de Chus Gutiérrez tiene como epicentro a dos personajes: un empresario funerario español que pretende sacar partido de la situación y una chica marroquí que vive en España. Cuando se encuentran los cadáveres, Martín (José Luis García Pérez), encuentra un número de teléfono en la ropa de uno de los muertos. Llama al número que se ha encontrado, pensando en el filón de la situación, pues con la repatriación del cuerpo él saldría ganando. Al otro lado, Leila (Fara Hamed), sabe perfectamente que su hermano ha muerto y procede a la repatriación de su cuerpo hasta su lugar natal, Hansala. Para ello tiene que pagar la mitad aquí con dinero ahorrado y la otra mitad el Consejo de ancianos del pueblo cuando lleguen. Allí en Hansala, es donde realmente Martín empieza a dejar de lado su afán materialista para entender a esa gente que vive un drama diario con la inmigración.

¿Por qué se produce la inmigración? El capitalismo crea a su alrededor una atmósfera de felicidad absoluta y eso llega a los oídos de las poblaciones desfavorecidas del mundo. Eso les impulsa a salir, sin pensar en ningún momento el peligro que existe y que las cosas en el llamado "primer mundo", no son tan bonitas como se las pintan.

Rodada en el Atlas Medio:

La película está rodada como he dicho, en el poblado de Hansala en el Atlas Medio marroquí. Esa zona está poblada por comunidades berberófonas, en este caso sin embargo, arabizadas. Es interesante ver la hospitalidad de la gente, el importante papel de la mujer y el órgano del consejo de ancianos, todos estos, rasgos propios de la cultura amazigh.

Por otro lado los rasgos de los pobladores son claramente amazigh, no hay más que ver a la actriz protagonista Fara Hamed. Fara Hamed, es una actriz de origen marroquí que vive en España. Sus antepasados fueron nómadas, otro rasgo común de varias comunidades imazighen del continente africano.

Los paisajes de la zona del Atlas Medio, son también un motivo importante para ver esta película. Los enormes bosques de cedros, las cadenas de montaña de origen volcánico y sus encantadores lagos, hacen de esta región bereber de Beni Mellal, una zona preciosa y paradisíaca.

A modo de conclusión:

Una película muy recomendable, por su emotividad, por conocer la cultura amazigh de la zona de Hansala, aunque en este caso está arabizada, para conocer paisajes insólitos y para reflexionar sobre el drama de la inmigración.

El vuelo del guirre, film canario de los Hermanos Ríos

El vuelo del guirre, es el último film de los Hermanos Ríos, completando su trilogía, tras Guarapo y Mambí. En ella un emigrante vuelve a Canarias 40 años después y se encuentra con un Archipiélago completamente distinto, en donde crea una relación interesante con su nieto. Recomendamos su visionado.

Operación Ogro

En esta ocasión, cuelgo una parte de la película "Operación Ogro". Esta parte, es el momento justo de la explosión de la bomba y la posterior huída.

La Batalla de Argel

Fragmento del comienzo de la película "La Batalla de Argel". Quien la quiera ver entera, en el Youtube está completa.

Mis directores favoritos: III. Gillo Pontecorvo:

La tercera entrega de mis directores favoritos, nos lleva hasta uno de los directores que más se ha preocupado por la extensión del antifascismo: Gillo Pontecorvo. Director italiano de origen judío, nacido en Pisa el 19 de noviembre de 1919 y muerto en Roma el 12 de octubre de 2006, fue componente del Partido Comunista de Italia hasta 1956, año en que se desencantó con el movimiento comunista, tras la invasión de la URSS de Hungría. Eso no le impidió ser un declarado marxista, algo que queda plasmado en su cine.

El director italiano dirigió ocho largometrajes, de los cuales he tenido ocasión de ver tres, seguramente sus films más conocidos junto con "Kapo": estas películas son "La Batalla de Argel", "Queimada" y "Operación Ogro". Su cine es un cine social, comprometido y de clara tendencia marxista, aunque sin caer en la propaganda absurda, sino dando una visión alternativa a los sucesos que narra.

"La Batalla de Argel" es, seguramente, su película más conocida y aclamada. Recibió en el año de su estreno, 1966, el León de Oro en la Mostra de Venecia. La película fue realizada por un encargo del gobierno independiente argelino, que buscaba un director italiano de cine social y finalmente fue encargado a Pontecorvo. Dio esto como resultado una de las mejores películas sobre colonialismo y movimientos revolucionarios de la historia del cine. Con una fotografía simplemente impresionante, a pesar de la película ser en blanco y negro, un argumento bien reconocible para el pueblo argelino, pues los hechos narrados eran casi coétaneos y una visión de los hechos en los que no se dejan llevar por el apasionamiento de la victoria sobre el colonialismo, "La Batalla de Argel" es, hoy día, una de las películas referente de muchos movimientos de emancipación en distintas nacionalidades. Confiemos en que la mucha o poca sensatez que pueda tener Hollywood, impida que se haga un remake vulgar y comercial (como el que se ha planteado con Di Caprio de protagonista), sobre la gran película argelina sobre la Independencia de su país. No manchemos este gran documento histórico.

"Queimada" por su parte, vuelve a tratar el fenómeno del colonialismo. En una pequeña isla caribeña (lejanamente inspirada en la historia de Haití), el colonialismo portugués ahoga al pueblo isleño de Queimada. Resulta que la población indígena había sido totalmente aniquilada por los opresores portugueses, pero la población esclava y negra en su mayoría, clamaba libertad. Sin embargo los movimientos eran muy tímidos y eran fuertemente reprimidos por las fuerzas de ocupación. Sin embargo a esta isla llega un aventurero inglés (plasmado por el actor Marlon Brandon) e incita a la población de la isla a levantarse, bajo el mando de un comandante salido del pueblo, José Dolores. Éste revolucionario pasa a ser ídolo de masas cuando la isla consigue descolonizarse. Pero aunque la isla de Queimada pasa a ser nominalmente independiente, sólo cambia el yugo portugués, por el nuevo sometimiento inglés. Es cuando José Dolores vuelve a levantarse e Inglaterra vuelve a mandar al olvidado aventurero inglés, para que aprovechara su amistad con el revolucionario caribeño. Sin embargo José Dolores no atiende a los chantajes del inglés y prefiere morir antes que someterse al colonialismo inglés. La película no tiene desperdicio y es un buen modo de conocer los movimientos emancipadores a mitad del siglo XIX.

Finalmente "Operación Ogro", narra el asesinato de Luis Carrero Blanco, presidente del gobierno fascista español, a cargo de la organización terrorista ETA. El suceso ocurrió en 1973 y la película es de 1979, con lo que, de nuevo, como en "La Batalla de Argel", Gillo Pontecorvo vuelve a contar una historia casi coétanea. Vuelve a demostrar el director italiano, su sensibilidad con los movimientos emancipadores y refleja a ETA como no la podría haber reflejado ningún director ni euskaldún, ni español en la época: esto es, como una organización revolucionaria que actuaba contra el Estado fascista y por la libertad de su pueblo. Con la historia de Txabi (Eusebio Poncela), vemos como se empieza a dividir la organización, por la llegada de la democracia liberal burguesa que hoy día seguimos padeciendo. Además, con su asesinato podemos observar como actúan los aparatos de represión del nuevo estado "democrático". La película, cuenta con un grupo de intérpretes que consiguen plasmar a la perfección cada papel: Gian María Volonté, el citado Eusebio Poncela, José Sacristán o Ángela Molina entre otros. Película indispensable para conocer la lucha armada del pueblo vasco.

Las películas de Gillo Pontecorvo son esenciales en todas las filmotecas de todo aquel que crea en las luchas sociales de los pueblos y todo el que rechace de plano el colonialismo de ayer, hoy y siempre.

Queimada (1969) Gillo Pontecorvo

Fragmento de la película de Gillo Pontecorvo, Queimada. Este fragmento es el enlace para la tercera entrega de mis directores favoritos.

Che el argentino: retrato de una utopía hecha realidad

Hablar del Che Guevara es hablar de un ídolo de masas en todo el mundo. Es un referente en la lucha de los pueblos y una esperanza para los que están oprimidos. Sin embargo, a pesar de esto, el cine no se había hecho eco de la historia del revolucionario nacido en Rosario. Sólo diversos escarceos en el cine argentino habían alumbrado en la gran pantalla la historia del Che: "Hasta la victoria siempre" de Juan Carlos Desanzo, "Che, ¿muerte de una utopía?" de Fernando Birri o "El Che" de Aníbal Di Salvo, son de las pocas películas en las que la figura del revolucionario es revisada por la gran pantalla y a una escala de pública muy reducida.

Pero ha llegado Steven Soderbergh para llevarla al gran público y convertirla en una de las películas más esperadas y seguramente de las más vistas del año. He colgado en este blog dos de los muchos artículos que he leído sobre la película en webs de cine, blogs, páginas de izquierda, etc. Y no recuerdo un tema donde haya habido tanta unanimidad sobre un tema. Unos se centran en la película en sí como película, la cual califican de buena y otros en como es tratada la historia del protagonista, valorándola igualmente de manera positiva. No suele ser normal esta unanimidad, pero Soderbergh ha conseguido unir la calidad del buen cine con la historia de un revolucionario, al cual la película le hace justicia.

Como película "Che el argentino", contiene en sí una historia que no es lineal, sino que va dando saltos, desde el terreno donde se está ganando la Revolución no sin problemas, y el momento donde el rosarino se planta en la reunión de la ONU en Nueva York, en el terreno del enemigo. El film contiene en sí, las tres cosas más importantes de la vida de el Che: su historia, su palabra y su fé. La interpretación de Benicio Del Toro, aparte de su más que evidente parecido físico, mezcla la chulería proletaria del Che, con su convencimiento en la victoria, que en ocasiones puede llegar a la prepotencia, y con su evidente sentido del humor, hasta en los momentos más delicados: si el espectador no supiera que el desenlace es la victoria en la Revolución, se extrañaría al ver como se tomaba con cachondeo los momentos más críticos por los que pasan los Alzados. Aparte de Benicio del Toro, el elenco de actores cumple con dignidad el resto de personajes y la historia cala en el espectador. Nos espera una segunda parte en la que se retratará la vida de Ernesto el Che Guevara tras la victoria en la Revolución hasta su muerte.

Desde el punto de vista del personaje, el argentino Ernesto Che Guevara es un personaje que no causa indiferencia. Idolatrado por muchos, es discutido por otros, que lo califican poco menos que de asesino. La película, en mi opinión, sabe dar el justo punto a la figura del rosarino, mostrándolo como el referente y el personaje convencido y con valores que fue y sin convertirlo en un ser supremo. El Che fue eso, un personaje comprometido, un hombre que luchó por las injusticias no sólo del pueblo cubano, sino de muchas otras partes de Latinoamérica y otros lugares del mundo, pero sólo eso, un hombre, que como todos pudo cometer errores, aunque bajo el punto de vista de este humilde autor, siempre hizo las cosas en post del bien del colectivo, un sentido colectivo que está muy poco extendido en los tiempos de individualismo en los que vivimos. Además de la Revolución Cubana que lo hizo famoso y los movimientos sociales en los que participó en Latinoamérica, el Che fue un ejemplo y un alentador de movimientos revolucionarios en otras partes del mundo: un ejemplo es el revolucionario guineano Amílcar Cabral, el cual conoció al rosarino y siguió su legado para descolonizar Guinea Bissau y Cabo Verde. Hoy en día es un gran referente acogido por la mayoría de los movimientos libertarios de izquierda.

La dimensión que ha adquirido la película y la que puede adquirir, puede hacer que la gente se interece más por la historia de el Che ¿Veremos en este mundo despolitizado y sin valores colectivos, gente que se interese por la vida y obra de Ernesto Che Guevara y lo acoja como referente?, ¿la gente llevará una camiseta de el Che como quien lleva una camiseta de Star Wars?, ¿permitirá la gran industria cinematográfica, ya sabemos que relacionada con los dogmas políticos actuales, que la figura y la historia de el Che se expanda por el mundo, más ahora en tiempos de crisis o creará nuevos héroes de los que tradicionalmente estamos acostumbrados? Ni yo mismo sé responder a esta pregunta. Mi profesor de Historia del Arte y Medios de Comunicación de Masas decía que ninguna película, ninguna obra de arte, ni ningún libro había cambiado el curso de la historia en el momento en el que se realizaron. Posiblemente lo mismo pase con esta película, la gente saldrá de los cines y seguirán queriendo ser burgueses, seguirán queriendo por encima de todo que gane su equipo y seguirá siendo tan analfabeta políticamente. O no...

Che, El Argentino

Era cuestión de tiempo que el cine acabara posando su mirada sobre la figura del Che. La fortuna ha sonreído a aquellos que buscaran en esa mirada la mayor distancia posible, la sobriedad y la lejanía de los fanatismos y las preferencias políticas en un proyecto en el que a priori parecía imposible no posicionarse respecto a la controvertida figura central que lo mueve. Vaya por delante que Che, El Argentino no es una película apolítica. Ni falta que le hace. Si acaso podemos exigirle a un retrato de esta índole que no caiga en el panfleto en el que cineastas de la talla de Ken Loach se han visto alguna vez tentados y hasta sucumbido (Tierra y libertad [Land and Freedom, 1994]). Y Steven Soderbergh seguramente muestre a un Che heroico pese a la inclusión de sus demonios y los de la revolución, las contradicciones y los reproches necesarios que apartan el filme de la parcialidad aberrante, pero uno a ciencia cierta saldrá del cine convencido de que la historia que le han contado era tan fascinante como necesaria. Y lo más importante: que se la han contado bien, despacio y con buena letra.

La primera hora de metraje de Che, El Argentino son minutos del mejor cine de Soderbergh, aquel que nos remite a un estilo narrativo cuasi documental que ya viéramos en Traffic (2000) y a una concepción visual cruda y áspera, de blanco y negro sumamente granulado que aquí es utilizado como el flashforward que nos traslada a uno de los dos puntos de referencia de la narración, la intervención del revolucionario en las Naciones Unidas (el otro y acertado momento es una velada entre amigos antes de partir a Cuba); la narrativa central, aquella que nos sitúa en la organización y primeros pasos de la revolución cubana desde la Sierra Maestra, está filmada con cámara RED, innovador recurso que otorga una textura documental a la película sin abandonar la calidad de una imagen con gran viveza de colores. Su imagen agreste y la excelsa fotografía son pues, los pilares maestros sobre los que el cine de Soderbergh consigue su tono mayormente aséptico, distanciado de los hechos que narra sin (aparentemente) adoptar la posición de juez.

Así, altamente definido por las premisas técnicas que configuran el estilo visual tan característico de su autor, Che, El Argentino resulta un pausado pero constante recorrido por las andanzas del argentino y una valiosa explicación del proceso de implicación del mismo en el movimiento revolucionario cubano. Soderbergh toma como fuentes documentales el diario mismo del Che y los libros del periodista Jon Lee Anderson para elaborar una narración compleja y fracturada, con continuos, quizá excesivos, saltos en el tiempo en un comienzo que tarda en acostumbrarnos a la amalgama de los múltiples frentes narrativos que se nos presenta. Sin embargo, pronto queda patente que, pese al abuso de los saltos temporales y ruptura de la linealidad, el proceso narrativo acaba funcionando y revelándose como un eficaz vehículo para evitar el desgaste del espectador frente a aquello que le es narrado. Así, el proceso revolucionario se revela de lo más interesante, tanto desde su construcción ideológica como en las aberraciones que la contradicen y que se cometen en el nombre de la misma. Que Soderbergh no sea el retratista más imparcial posible (y quizás lo sea) deja de importarnos para atender a una historia que aún hoy sigue fascinando y incomodando a partes iguales, pero que en la pantalla nos es relatada con la mesura y el oficio de un cineasta que le imprime unas señas de identidad asentadas y en su madurez.



Benicio del Toro es el gran nombre de un cartel de actores sólidos y algunos notables. Del Toro demuestra su carisma y peso en la pantalla con una actuación sobria y medida, que merece la total atención del espectador para advertir, en las distintas etapas de la vida del Che, los matices que el magnífico actor consigue imprimir a un personaje que pasa de la duda a la convicción ideológica, de la convicción ideológica a un liderazgo que debe ser interiorizado, y del liderazgo al afrontamiento de sus consecuencias y la retrospectiva ya en la madurez. Mención especial merece un Demián Bichir que ejecuta al joven Fidel Castro de manera excepcional, sorprendente cuanto menos, y que evita la sombra de Del Toro en las múltiples escenas que ambos intérpretes comparten. Del Toro y Bichir son secundados por un reparto con mayores y menores aciertos, a saber un Unax Ugalde desdibujado o una fugaz y prescindible aparición de Julia Ormond, pero que en cualquier caso revelan el buen hacer de Soderbergh al mando de su elenco.

El principal pero de un proyecto de carácter sobrio y ausente de una épica desmesurada en la que no hubiera resultado difícil caer es el hecho de que el proyecto se haya visto, una vez más, alterado en su concepción original por las necesidades comerciales de un mercado que ya no acepta cuatro horas de metraje, aun cuando este se revela sumamente interesante y le diera una dimensión más grande si cabe a una película que no necesita de tal división. De esta manera el final de Che, El Argentino es poco menos que una interrupción de la narración cuando ésta está tomando el camino, no menos interesante, de un relato de guerrilla y revolución. Peor aún, significa una interrupción de unos personajes en constante crecimiento ante los ojos del espectador, sin que el montaje, efectivo pero no suficiente para dar una sensación de cierre redondo a la película, pueda solucionar la sensación de arrebato que nos invade llegados los títulos de crédito. Es Che, El Argentino, a pesar de ello, una cinta no sobresaliente, pero sí altamente interesante y de indudables méritos tanto cinematográficos como biográficos, que hace de su mirada analítica y su imagen pretendidamente aséptica su mayor baza para el espectador que, más lejos que cerca de políticas y convicciones, se siente a que le cuenten una historia de guerrilla y revolución. La historia pendiente del cine: la cita pendiente del cine con un personaje histórico resuelta en un retrato de eficaz y sobriedad probadas.
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The Argentine. Estados Unidos, Francia y España. 2008. 131'.
Dirección: Steven Soderbergh.
Guión: Peter Buchman; inspirado en Pasajes de la guerra revolucionaria de Ernesto "Che" Guevara.
Producción: Laura Bickford y Benicio del Toro.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: Peter Andrews.
Montaje: Pablo Zumárraga.
Diseño de producción: Antxón Gómez.
Vestuario: Bina Daigeler.
Intérpretes: Benicio del Toro (Che), Demián Bichir (Fidel Castro), Santiago Cabrera (Camilo Cienfuegos), Elvira Mínguez (Celia Sánchez), Julia Ormond, Jorge Perugorría (Joaquín), Edgar Ramírez (Ciro Redondo), Victor Rasuk (Rogelio Acevedo), Armando Riesco (Benigno), Catalina Sandino Moreno (Aleida Guevara), Rodrigo Santoro (Raúl Castro), Unax Ugalde (Pequeño Cowboy), Yul Vázquez (Alejandro Ramírez).
Puntuación: 7

Extraído de: http://cinelandia.blogspot.com/2008/09/che-el-argentino.html

El Che del cine y el que yo conocí

ENRIQUE MENESES

De los cuatro meses que pasé en Sierra Maestra, entre diciembre de 1957 y abril de 1958, nunca imaginé que Ernesto Che Guevara fuese a eclipsar a Fidel Castro en el ámbito de la iconografía.

Alrededor de la Comandancia giraban otros comandantes, como Raúl Castro y Ramiro Valdés. Che Guevara, por su asma, se movía poco de su campamento y, si lo hacía, utilizaba un mulo. Fidel Castro no dormía dos noches en el mismo sitio para no ser detectado por la fuerza aérea batistiana. En varias ocasiones, tras enviar un mensajero a Santiago, la aviación aparecía a las pocas horas y bombardeaba el área donde Fidel había acampado durante la noche. Una vez, al regresar el mensajero, Raúl lo mandó desnudar y le descubrieron un salvoconducto firmado por el general Chaviano que lo acreditaba como agente del Gobierno. El emisario fue juzgado y ejecutado.

Como su pistola era mejor que la de Fidel, este se la apropió pese a llevar las iniciales del traidor en la funda:
L. B. M. El 31 de diciembre de 1957, acudió Che Guevara a almorzar a la Comandancia. Estábamos en un
bohío esperándole para el último almuerzo del año. Llegó a lomo de mulo y disparé mi Olympus desde el interior. Mi primera foto del guerrillero argentino. El Che era pocogesticulante, de poco hablar y bastante ironía.

La película Che, el argentino, que se acaba de estrenar en España y que protagoniza Benicio del Toro, tiene buen ritmo, una interpretación aceptable y la consabida traca de tiros. Mi amigo Jon Lee Anderson, autor de la mejor biografía del Che, y sus asesores no habían leído mis libros Fidel Castro y Fidel Castro: empieza la Revolución. Esto les ha impedido disponer de varios episodios sustantivos del guerrillero argentino. Para empezar, queda olvidado un personaje como Crescencio Pérez, patriarca de colt en cinto, casado con tres hermanas a la vez. Fue el hombre que ordenó a los 50.000 guajiros de la Sierra que ayudasen a los 12 supervivientes del desembarco en Cuba del Granma, episodio en que murieron 70 revolucionarios antes de que alcanzasen la playa de Niquero.

En un grupo de bohíos abandonados, el Che había montado una fábrica de pan (algo desconocido en la Comandancia), un taller de costura para uniformes, otro para reparar armas atascadas, un hospital y, en un bohío vacío donde me alojé como único periodista en la Sierra, dejó patente su sentido del humor con un rótulo: ‘Club de Prensa Extranjera’. Recuerdo que inventó un arma, el M 26-7. Consistía en unos tubos de unos 40 cm de longitud que fabricaba soldando dos mitades de chapa ondulada de algunos tejados de bohíos. Estaban rellenos de pólvora, piedras y algo de tornillería, con un fulminante.

El ruido era como el de un mortero de 81 mm pero, como diría Gila, “sembraba el pánico pero mataba muy poco”. En el combate de Estrada Palma, cada uno de la docena de guerrilleros disparó tres o cuatro de estos obuses caseros, sembrando el pánico en el campamento batistiano.

El Che tenía un humor ácido, como prueba lo sucedido con José Quiala, un guerrillero autodidacta al que le gustaba buscar las palabras más cursis y rebuscadas del diccionario. Nos encontrábamos en su campamento cuando nos alcanzó un mensajero sudoroso y extenuado. El Che leyó el mensaje y, en el mismo tono de la carta recibida, contestó: “¡Oh, Quiala! He recibido tu misiva reclamándome los más elementales pertrechos de la cultura como lápices, cuadernos y sacapuntas. Al carecer de dicho equipamiento didáctico, no puedo satisfacer tus necesidades. Aprovecho para decirte que la próxima vez que agotes un compañero para traerme semejante mensaje, ¡te corto los cojones! Tu Comandante, Che”.

No se menciona en la película el impacto del secuestro de Juan Manuel Fangio, entonces seis veces campeón del mundo de Fórmula 1, obra de Faustino Pérez, jefe de los rebeldes en el Llano. Paris-Match tenía entre sus manos centenares de fotos mías de la Sierra. Cuando se publicaron, el revuelo fue enorme. El semanario hizo uso de mi trabajo durante tres números consecutivos. En Cuba, la revista Bohemia hizo una tirada especial de 500.000 ejemplares. En sus memorias, Che Guevara dice: “Hasta que Meneses no publicó sus reportajes, nadie en el resto del mundo se había enterado de que en Cuba había una revolución”. En los reportajes de Paris-Match se atribuía el secuestro de Fangio a los revolucionarios que aparecían en mis fotos, cuando en realidad había sido una iniciativa de los combatientes del Llano, que tomó por sorpresa al propio Castro. Estos, muy ofendidos porque les escamoteasen la autoría de la acción, acudieron al poco tiempo a la Sierra para estudiar los siguientes pasos. No admitieron que yo estuviese presente. Fidel salía cada media hora de la reunión para informarme: “Quieren que todos nos afeitemos las barbas”. Le expliqué que, si lo hacía, toda la documentación que Paris-Match había revendido mundialmente, quedaba obsoleta, antes y después de las barbas. “También verás abusos y extorsiones de uniformados sin barba pretendiendo ser guerrilleros.” Se convenció y así mantuvo su aspecto ya legendario. El combate de Pino del Agua no se menciona en la película, pero tuvo como resultado la quema de los 13 bohíos que ocupaba el Ejército y el abandono definitivo de la Sierra Maestra por parte de los batistianos. Entonces se proclamó “Territorio Libre de Cuba”.

En suma, Che, el argentino me pareció buena, pero obvió episodios históricos como los que he citado, que, en mi opinión, habrían enriquecido el contexto de la historia y el retrato del guerrillero.

ENRIQUE MENESES es periodista y autor de distintos libros sobre Castro y la Revolución Cubana

http://blogs.publico.es/dominiopublico/755/el-che-del-cine-y-el-que-yo-conoci/

La baja del secreto

Este cortometraje de Tanausú San Ginés, obtuvo el primer premio en la IV edición de Canarias Rueda Lanzarote, premio otorgado por la Caja de Canarias. El corto está rodado en lengua tamazigh, la lengua de los antiguos canarios, convirtiéndose así en una experiencia novedosa de rodaje en este país. Narra un hecho real ocurrido en la Gomera a finales del siglo XV. Disfruten.

"Cucurrucucú paloma" cantada por Caetano Veloso en la película "Hable con ella"

Cucurrucucu Paloma, par Caetano Veloso
Vídeo enviado por jedall

Momento precioso de la película "Hable con ella".

Mi directores favoritos II: Pedro Almodóvar

Director manchego, nacido en Calzada de Calatrava en Ciudad Real (España) el 25 de septiembre de 1951. Marchó a los 16 años a Madrid, pues tenía el sueño de ser director de cine. Sin embargo el dictador fascista Francisco Franco, había cerrado la escuela de Cine y tuvo que trabajar en múltiples empleos. Uno de ellos fue en Telefónica de auxiliar administrativo. Cantante de la movida madrileña, polémico, revolucionario, etc, Pedro Almodóvar es, ante todo, una referencia en el cine de los últimos treinta años.

Puedo presumir de haber visto su filmografía completa (sus dieciocho películas). Las hay muy malas y hay alguna muy buena y bastantes buenas, pero todas ellas tienen un afán de transgredir y quitar la máscara a la hipocresía de la sociedad española, dentro de la cual se centra en cada época, sobretodo en los personajes más marginados por la gente. Policías drogadictos, monjas enganchadas a la heroína, marujas enganchadas al sosegón, policías transformistas, transexuales que se vuelven lesbianas, enfermeros violadores de sus pacientes en coma, etc. Por otra parte la música de sus películas, muchas veces canciones desgarradoras, convierten algunas escenas en inolvidables. A continuación voy a hablar de las películas que para mí son más destacables de la filmografía almodovariana.

- Matador: Película intensa, donde una extraña pasión envuelve a los dos protagonistas (Nacho Martínez y Assumpta Serna), que matan respectivamente a sus compañeros sexuales. El torero retirado y la abogada criminalista, se encuentran, como no puede ser de otra forma y en su último encuentro conjugan su placer sexual con su placer por matar, en una escena donde suena "Espérame en el cielo", lo cual hace esa escena en un momento mágico dentro de la filmografía del manchego. Cada uno saca la lectura que quiere de una película, pero yo como antitaurino, creo ver que el director quiere ensalzar el papel de asesinos de los toreros.

- La ley del deseo: Un film donde de nuevo las pasiones se disparan de muchas formas. Un director de cine homosexual y promiscuo (Eusebio Poncela), mantiene una relación con un hombre (Micky Molina). Sin embargo, conoce una noche a Antonio (Antonio Banderas), un muchacho que se enamora de él. La pasión se convierte en un trágico suceso de acontecimientos. Por otra parte, su hermana transexual (Carmen Maura), que se cambió de sexo para mantener relaciones sexuales con su padre, ahora no cree en los hombres y casi como que se plantea un cambio de orientación sexual. Una película con momentos mágicos, como cuando Tina, el personaje que encarna Carmen Maura se baña con la manguera de un barrendero de calles y cuando suena el "Lo dudo".

- La flor de mi secreto: La escritora Leo (Marisa Paredes) es una famosa escritora que escribe bajo el pseudónimo de Amanda Gris, que escribe novelas rosas. Su marido, militar español, le rehuye, a pesar de que ella está loca por él. Luego se da cuenta que su marido le engaña con su mejor amiga. Entonces su novela rosa le sale negra y acaba rompiendo el contrato como Amanda Gris, que le obliga a escribir tres novelas anuales. Vemos en esta película como se ven detalles de la posterior filmografía del manchego como el nombre de la mejor amiga de Leo, Manuela, que además se dedica a hacer seminarios sobre transplantes, como el personaje de Cecilia Roth en "Todo sobre mi madre". También Leo escribe una novela donde una mujer mata a su marido y lo esconde en un congelador, como ocurre luego en el film "Volver".

- Todo sobre mi madre: Manuela (Cecilia Roth)sufre la muerte de su hijo (Eloy Azorín), tras ser atropellado por un coche tras salir de una obra de teatro el día de su cumpleaños. El muchacho había escrito una novela que se llamaba "Todo sobre mi madre" donde mostraba su inquietud por la figura de su padre, cuya historia no conoce. Tras la muerte de su hijo, Manuela parte hacia Barcelona, como hace diecisiete años atrás había hecho el viaje a la inversa huyendo del padre de Estebán y con el niño en su vientre. Ahora lo hace al revés para buscar a su padre y contarle todo lo sucedido. Esa escena es mágica, de fondo suena "Tajabone" de Ismael Lo y el momento es uno de los más emotivos que yo he vivido alguna vez delante de la pantalla. Allí en Barcelona se encuentra con un mundo femenino que le arropa, entre ellas Huma Rojo (Marisa Paredes), actriz que era ídolo de Estebán y por quien esperaba el niño a la salida del teatro, cuando murió. Se encuentra con el padre, ahora mujer y a punto de morir, pero va a ser padre... y ese hijo es el nuevo Estebán que cuidará Manuela. Una película esencial, estupenda. Como dijo de ella el New York Times en su día, "si no le toca el corazón, vaya al cardiólogo".

- Hable con ella: Dudo entre esta película y la anterior como la mejor película de Pedro Almodóvar. Se centra esta película en la relación de dos hombres, Benigno (Javier Cámara) y Marco (Darío Grandinetti). Sus vidas confluyen cuando Lidia (Rosario Flores), que es torera, es cogida por un toro y llevaba a la planta de las personas que se encontraban en coma. Benigno es enfermero y tiene como paciente predilecta a Alicia (Leonor Watling), que lleva mucho tiempo en coma tras un accidente. La historia se va complicando. Antes de entrar en coma, Lidia vuelve con su ex novio, el Niño de Valencia y así se lo comunica el torero. La soledad invade a Marco que se refugia en la amistad de Benigno. Entretanto Lidia muere y Alicia queda embarazada estando en coma. Benigno la ha violado, pues quiere formar una familia con ella. Éste acaba en el psiquiátrico y planea su suicidio. Historia triste que pone los pelos de punta. Hay un momento musical mágico, cuando Marco y Lidia acuden a escuchar a Caetano Veloso y éste canta el "Cucurrucucú paloma", canción que envuelve con la voz del cantante brasileño.

Por mucho que yo pueda contar de la filmografía de Almodóvar, siempre me dejaré detalles y películas en el tintero, pues lo más recomendable es ver las películas y disfrutarlas.

"Tajabone" Ismael Lo: Escena de la película "Todo sobre mi madre" de Pedro Almodóvar

/ Tout sur ma mère // Almodovar
Vídeo enviado por zandelille

Se unen en esta escena dos de mis debilidades: una es esta canción del cantante senegalés Ismael Lo y otra es esta desgarradora película de Pedro Almodóvar, entre las tres mejores de su filmografía y una obra esencial del cine de autor moderno.

La canción "Tajabone" está escrita en wolof, idioma oficial de Senegal y habla de la fiesta de celebración del final del Ramadán, donde se intercambia comida y los niños se visten de niña y viceversa. Esta canción te envuelve en un halo de paz cuando la escuchas y la melodía parece que te acaricia. Yo debo escucharla de cuando en cuando sobretodo en épocas de mucho estrés porque hace que me conecte a la fantasía y los sueños, cosa que me evade por instantes.

Por otra parte, este video es un aperitivo al próximo post de "La fortaleza de los saberes" que versará sobre la figura del director Pedro Almodóvar en la segunda entrega de mis directores favoritos. Y dentro de la filmografía del manchego, "Todo sobre mi madre" tiene un destacado papel. Esta escena en concreto es mágica, pues en ella Manuela hace el viaje en guagua, inverso al que había realizado huyendo de la ciudad de Barcelona hacia Madrid, donde iba embarazada. Ahora lo hace Madrid-Barcelona, tras la muerte de su hijo atropellado y sin saber todavía con la cantidad de cosas que se iba a encontrar en Barcelona. No tiene desperdicio.

Todo sobre mi madre

Video TODO SOBRE MI MADRE - Almodovar
Vídeo enviado por Es-Espanol

Video donde aparecen algunos de los momentos más mágicos de esta gran película de Pedro Almodóvar. Servirá de enlace para el próximo post del blog, que hablará de la figura de Pedro Almodóvar, en la sección de mis directores favoritos.

Martín (Hache) - Adolfo Aristarain

Vemos aquí uno de los momentos más brillantes de "Martín (Hache)", film de Adolfo Aristarain.

En él podemos observar como Dante, interrumpe una obra de teatro que está interpretando, para tocar las conciencias de los espectadores que observan el espectáculo. Al final acaba abandonando el teatro con Hache. No tiene desperdicio la secuencia.

MIs directores favoritos: I. Adolfo Aristarain.

Con el bonaerense Adolfo Aristarain, comenzaré un ciclo en el que hablaré de mis directores de cine favoritos. Nacido en 1943 en Buenos Aires, como ya he dicho, Aristarain es un director que se ha labrado una carrera desde lo más abajo. Fue ayudante de dirección en sus inicios, de directores como Mario Camus, Vicente Aranda o Sergio Leone. Así conoció la profesión desde dentro y pudo realizar su primer largometraje, "Tiempo de Revancha" de 1982, protagonizada por Federico Luppi.

El cine de Aristarain mezcla a la perfección los elementos clásicos del cine de siempre, con un compromiso social, propio del cine latinoamericano. Sus películas son inteligentes, de diálogos brillantes y de personajes bohemios, que cautivan al espectador. Sus historias, por lo general, alternan España y Argentina como espacios, lo que denota un cierto toque autobiográfico. Siempre utiliza en sus películas, actores de gran calidad interpretativa, como Federico Luppi, Juan Diego Botto, Cecilia Roth, José Sacristán, Eusebio Poncela o Mercedes Sampietro.

De las películas que he visto de dicho director, comenzaré hablando de "Un lugar en el mundo". Seguramente la película más premiada de este director. Habla de la búsqueda de un lugar en el mundo, expresado a través de Ernesto, un niño, ya casi adolescente que está rodeado de Mario (Federico Luppi), su padre, siempre luchando con el cacique de la zona Andrada, Ana (Cecilia Roth), su madre sentimental y luchadora y Hans (José Sacristán), un geólogo español que llega al lugar en búsqueda de petróleo a las órdenes de Andrada, aunque con el tiempo se dará cuenta de las injusticias del cacique y apoyará a la familia de Ernesto en su lucha. A raíz de ahí se irá hilando una historia entrañable por momentos, en otros resulta dolorosa.

"Martín (Hache)", para mí la mejor película de este director y una de mis cinco películas favoritas, es una historia de un joven sin rumbo, Hache (Juan Diego Botto). Se llama Martín, como su padre (Federico Luppi), sin embargo todos le llaman Hache, por ser lo que le distingue del padre (Martín Hijo), lo que no obstante le niega una identidad propia. En Buenos Aires ni estudia ni trabaja, sólo toca rock y coquetea con las drogas. Con éstas de protagonistas, sufre un accidente que le deja cerca de la muerte, lo que le vuelve a reunir, por diversas circunstancias con su padre en España. Allí se encuentra con la novia de su padre (Cecilia Roth), una mujer apasionada y adicta a la cocaína, que sufre por la falta de afecto que le ofrece Martín y con Dante, el único amigo de su padre, un actor homosexual y consumidor de diversas drogas, un espíritu libre que vive a su antojo en un mundo que no lo acepta. Todos piensan que Hache tiene intención de suicidarse, pero no es del todo cierto. Hache coge cariño y huye, el que ama está expuesto al dolor. Al final y al cabo, la conclusión que yo saqué de la película es que Hache no es más que un reflejo de su padre. Cobarde, con un vacío en su interior, que se prohibe ser feliz y que no afronta las cosas de frente.

Por su parte "Lugares comunes", me recuerda peligrosamente a "Un lugar en el mundo". Es una lucha continua contra el mundo en busca de defender los ideales, en el caso de los protagonistas de este film, Fernando (Federico Luppi) y Liliana (Mercedes Sampietro), son de izquierda. A Fernando Robles, profesor, lo han jubilado prematuramente por la crisis del país. Eso les lleva a un problema económico que quizá se subsane si le piden a su hijo (Carlos Santamaría), que vive en Madrid. Sin embargo tanto Fernando como Liliana, consideran que su hijo se ha aburguesado y no ha luchado por su verdadera vocación que era la escritura. Cuando parece que no hay otra salida que pedirle ayuda a su hijo, consiguen vender su departamento céntrico en Buenos Aires y compran una chacra en Córdoba, donde comienzan una nueva vida.

Y por último "Roma", una película dedicada a una madre a la que se le ha fallado en parte. Joaquín Goñez (José Sacristán de viejo, Juan Diego Botto de joven) es un escritor que hace tiempo que no escribe. Entonces decide escribir su autobiografía. Para ello la editorial le manda a Manuel Cueto (Juan Diego Botto). La relación al principio es tirante, pero con el tiempo y según transcurre la historia de la vida de Joaquín, el acercamiento es evidente. La vida del escritor está unida a su madre Roma (Susú Pecoraro), para quien su "Juaco" es los ojos con los que mira. Empero, Joaquín no es feliz con su vida, le falta algo y comete error tras error. Su madre muere estando él en España y ahí termina su historia, como si realmente su historia sólo tuviera sentido por su madre.

Vemos como en la filmografía de Adolfo Aristarain priman los personajes leales a sus ideas y que tienen unos miedos distintos, pero aproximados. También observamos como en cierta medida, estos personajes se autodestruyen defendiendo tales ideales, de una forma radical, al todo o nada.

El crimen de Cuenca: Una doble injusticia.

Hay mucha gente que se piensa que las injusticias de los poderes reinantes son cosa del pasado, que nosotros vivimos en un estado de continua felicidad, donde nada nos impide hacer lo que queramos. Estas dos injusticias que narro a continuación, son del pasado sí, incluso una de un pasado muy lejano, pero yo creo que son tremendamente vigentes.

Año 1910, en la tranquila Cuenca de la época, concretamente entre los términos de Osa de la Vega y Tresjuncos (tradicionalmente peleadas porque Tresjuncos era de mayoría conservadora, mientras que Osa de la Vega lo era de izquierda, pero eso es otra historia) se denuncia la desaparición de José María Grimaldos, alias "el cepa" por parte de su madre, quien dice que lo asesinaron, incluso da los nombres de Gregorio Valero y León Sánchez como sus asesinos. Resulta que tanto Gregorio como León trabajaban al igual que "el cepa" en la finca de Francisco Antonio Ruiz y estaban continuamente burlándose de él, de cuyas burlas la interpretación de la madre es que le tenían envidia y que le querían robar el dinero que acababa de cobrar Grimaldos de la venta de unas ovejas.

La acusación de la madre no es suficiente y los pesquisidores no encuentran pruebas para acusarle, siendo el caso sobreseido en 1911. Dos años después, tras la insistencia de la familia de Grimaldos, y coincidiendo con la llegada al juzgado de Belmonte de Emilio Isasa Echenique, son de nuevo encarcelados. Aquí habría que destacar la aportación de Contreras, cacique de la zona y diputado por los Conservadores, que presiona mucho para que se vuelvan a detener a León y Gregorio. Esta vez son torturados de una manera vil y cruel hasta el punto de confesar el delito que no habían cometido y desconfiar el uno del otro. Finalmente en 1918 el juicio los condena a 18 años de prisión, tras haber sido auto inculpados por consejo de sus abogados.

El 4 de julio de 1925 salen de la cárcel tras haber cumplido más de 12 años en total de condena y tras haber sido indultados. Pero no acabaría ahí la cosa. El cuerpo del asesinado, nunca apareció y en febrero de 1926 llegó una carta de la parroquia de Mira de la Sierra, localidad cercana al párroco de Tresjuncos, en la que se pedía la partida de bautismo porque quería contraer matrimonio. El asustado párroco de Tresjuncos fue a pedir consejo a Contreras, que le dijo que no dijera nada. Sin embargo se aceleró todo pues José María visitó Tresjuncos pues estaba impaciente para obtener su partida de bautismo y fue detenido. Luego la sentencia sobre los dos amigos injustamente acusados, fue anulada, pero los que los condenaron no cumplieron condena pues la mayoría de los cargos eran muy viejos y otros murieron. Gregorio y León terminaron sus días en Madrid en puestos de trabajo cedidos por el Ayuntamiento.

Por otra parte, corría el año 1979, recién nacida la democracia. Entonces una joven cineasta llamada Pilar Miró, autora de una sola película anteriormente, decide dirigir una película llamada "El Crimen de Cuenca". El gobierno de la UCD tenía miedo a lo que podían pensar los poderes militares y puso la película en manos del poder militar. Fue censurada, incluso Pilar Miró fue juzgada en un juicio militar. La película no se exhibió hasta 1981 y a pesar de eso y de que fue calificada como película S, fue vista por casi dos millones de espectadores.

Dos injusticias nacidas a raíz de una misma injusticia. Y las dos muy vigentes. En cuanto al caso real, hoy en día vemos lo que pasa en Guantánamo, en Abu Grahib, etc, y supuestamente en países con gobiernos más desarrollados que la viciada España de la Restauración. Y en la censura de la película, no olvidemos que en 1979 ya estaba en vigencia nuestra constitución, la Constitución de 1978 y fue un claro paso atrás en la pretendida democracia que hoy en día impera. Hay que decir, como punto de justicia, que Pilar Miró pasó posteriormente de censurada a censuradora cuando ocupaba la dirección de TVE, colocando a sus amigos en el ente público y descartando grandes series como "La Huella del Crimen", hecho que todavía irrita a Pedro Costa, director de la serie. Es un ejemplo más de que nunca hay que perder la memoria.